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Die Txalaparta ist ein traditionelles baskisches Schlaginstrument, dessen Spiel auf der koordinierten Beteiligung zweier Personen beruht. Die horizontal angeordneten Bretter werden mit senkrecht geführten Holzstäben, den sogenannten makilak, angeschlagen, und der Rhythmus entsteht aus einer Folge abwechselnder Einsätze.

Ihre Besonderheit liegt nicht allein im Klang des Holzes, sondern in der Beziehung zwischen den beiden Spielenden. Jeder Schlag hört auf den vorherigen, setzt ihn fort oder verändert ihn. Die Musik gehört keinem der beiden vollständig; sie entsteht in dem gemeinsamen Raum, den beide miteinander schaffen.

Antonio Oteiza macht genau diese geteilte Dimension zum eigentlichen Zentrum der Skulptur. Keiner der Musiker wird zum Hauptdarsteller, und zwischen ihnen besteht keine Hierarchie. Beide Körper neigen sich zum Instrument und werden durch eine Handlung verbunden, die Aufmerksamkeit, Genauigkeit und Gegenseitigkeit verlangt.

Die Figuren stehen auf beiden Seiten der Bretter und bilden eine offene Komposition. Ihre gebogenen Oberkörper rahmen einen weiten zentralen Hohlraum, während sich die Köpfe zur Schlagfläche hin vorbeugen. Die Haltung vermittelt Konzentration, zugleich aber auch Hinwendung zum anderen: Jeder Musiker scheint zu handeln und gleichzeitig auf die Antwort des Gegenübers zu warten.

Oteiza verzichtet auf eine naturalistische Beschreibung der Körper. Die Anatomie wird zu konkaven Flächen, gebrochenen Konturen und Volumen wechselnder Stärke verdichtet. Arme, Schultern, Kleidung und Oberkörper gehen in kontinuierliche Formen über, in denen die unmittelbare Energie des Modellierens sichtbar bleibt.

Die makilak erscheinen in unterschiedlichen Positionen. Einige sind angehoben, andere nähern sich bereits den Brettern. Dadurch werden verschiedene Phasen der Bewegung angedeutet. Die Variation erzeugt eine visuelle Folge, die der Abwechslung der Schläge entspricht und den Rhythmus vorstellbar macht, obwohl sich die Skulptur nicht bewegt.

Der Gegensatz zwischen Horizontalität und Vertikalität bestimmt den Aufbau des gesamten Werks. Die Bretter bilden eine lange, feste und ruhige Ebene; die Stäbe unterbrechen diese Richtung durch aufsteigende Impulse. Die schräg geneigten Körper verbinden beide Bewegungsrichtungen und führen den Blick in die Mitte.

Der Raum zwischen den Musikern besitzt eine entscheidende Präsenz. Er trennt die Figuren nicht, sondern wird zum Ort, an dem ihre Gesten zusammentreffen und der Klang sich auszubreiten scheint. Oteiza nutzt die Abwesenheit von Materie, um die unsichtbare Dimension der Musik darzustellen.

Die weit geöffneten konkaven Formen der Körper verstärken diesen Eindruck. Die Figuren scheinen sich zum Instrument hin zu öffnen und wie Resonanzflächen zu wirken. Der menschliche Körper ist kein geschlossenes Volumen mehr, sondern wird Teil des klingenden Geschehens.

Die Txalaparta erhält zugleich eine architektonische Dimension. Ihre Bretter und Stützen bilden eine Plattform, die die Szene ordnet, die Musiker voneinander trennt und sie zugleich verbindet. Unter der Schlagfläche öffnet sich ein länglicher Hohlraum, der die Basis leichter wirken lässt und der Gruppe räumliche Tiefe verleiht.

Je nach Blickwinkel verändert sich die Wahrnehmung der Szene. Von vorn tritt der Dialog zwischen den Musikern und die Folge der makilak besonders deutlich hervor. Die Seitenansichten zeigen stärker die Neigung der Körper und die Tiefe der großen Hohlformen. Von hinten verlieren die Figuren einen Teil ihres erzählerischen Charakters und erscheinen als zwei Massen, die den zentralen Raum umschließen.

Die Oberfläche bewahrt Einschnitte, Druckspuren, Materialanhäufungen und abrupte Flächenwechsel. Die Bronze will weder Haut noch Kleidung oder Holz exakt nachahmen. Sie bringt vielmehr die materielle Intensität des Spielens zum Ausdruck. Die längs verlaufenden Spuren auf den Brettern erinnern zudem an Abnutzung und an die Erinnerung einer wiederholten Handlung.

Die Patina unterscheidet die einzelnen Elemente, ohne die Einheit des Werks aufzulösen. Grün- und Ockertöne geben den Figuren Tiefe, während die wärmeren Farbtöne der Bretter die Präsenz des Instruments verstärken. Kupferfarbene Reflexe beleben die hervorstehenden Bereiche und lassen die Gesten bei jedem Lichtwechsel neu hervortreten.

Oteiza greift eine baskische Tradition auf, ohne sie in eine folkloristische Genreszene zu verwandeln. Die Txalaparta erscheint weder als pittoreskes Objekt noch als isoliertes Relikt der Vergangenheit, sondern als lebendige Form von Kommunikation und gemeinsamer schöpferischer Tätigkeit.

Das Werk handelt von Musik, aber ebenso vom Zusammenleben. Um einen Rhythmus zu schaffen, muss man eingreifen und Raum lassen, etwas vorschlagen und zuhören, eine Initiative tragen und die Antwort des anderen annehmen. In diesem Wechselspiel liegt die symbolische Kraft der Szene.

In Txalaparta lässt Antonio Oteiza die Stille der Bronze die innere Logik gemeinsam hervorgebrachter Musik bewahren. Die Schläge sind nicht hörbar, doch sie bleiben in der Stellung der makilak, in der Neigung der Körper und in jenem Beziehungsraum angedeutet, der sich zwischen den beiden Musikern öffnet.