컬렉션

트리키티샤에서 안토니오 오테이사는 바스크 음악문화를 대표하는 가장 친숙한 형식 가운데 하나를 다룬다. 트리키티샤는 전통적으로 디아토닉 아코디언과 연결되며, 축제와 순례, 지역 공동체의 모임에서 연주되어 왔다. 그러나 이 작품은 이를 단순한 민속 장면이나 향토적 이미지로 제시하지 않는다. 오테이사는 익숙한 전통을 출발점으로 삼아, 공동의 정체성을 현대적인 조각 언어로 재구성한다.

두 인물은 하나의 기단에서 함께 솟아오른다. 각자가 독립된 위치를 지니고 있지만, 몸은 서로 가까이 붙어 거의 하나의 구조처럼 보인다. 음악은 개인의 행위가 아니라, 서로 듣고 맞추며 함께 만들어 가는 경험으로 표현된다.

왼쪽의 아코디언 연주자는 구성의 중심을 이룬다. 악기는 상체 앞에 놓여 넓고 분절된 덩어리로 돌출된다. 풀무의 주름은 수직의 면들이 반복되는 방식으로 처리되어, 열리고 닫히는 운동감을 시각적으로 전달한다. 오테이사는 세부적인 사실 묘사 없이도 음악적 행위를 청동 안에 옮긴다.

두 번째 인물은 다른 종류의 리듬을 더한다. 몸은 약간 기울어져 있고, 앞에 놓인 요소를 중심으로 모여 있다. 이 인물은 단순한 보조자가 아니라, 아코디언 연주자의 존재를 균형 있게 받쳐 주며 군상의 조형적 완결성을 만든다. 두 인물의 가까운 거리는 음악적 교류를 자연스럽게 상상하게 한다.

얼굴은 거의 개별화되지 않는다. 인물의 정체성은 외모가 아니라 자세와 역할에서 드러난다. 오테이사는 이들을 특정 인물의 초상으로 고정하지 않고, 하나의 문화적 전통을 이어 가는 보편적인 연주자로 만든다.

이 작품은 여러 각도에서 감상할 때 더욱 풍부해진다. 정면에서는 두 인물이 분명하게 결합되어 보이고, 악기가 시선을 끈다. 측면에서는 팔과 몸, 악기의 덩어리가 앞으로 나오고 뒤로 물러나며 깊은 공간을 만든다. 후면에서는 서사적 요소가 줄어들고, 군상은 더욱 응축되고 건축적인 형태로 바뀐다.

표면의 질감도 중요한 역할을 한다. 절개선과 주름, 거친 흔적은 빛을 불규칙하게 붙잡고, 더 매끄러운 모서리에서는 따뜻한 반사가 나타난다. 청동은 균질한 표면이 아니라, 관람자가 움직일 때마다 긴장하고 진동하며 변하는 듯한 인상을 준다.

녹색 파티나는 작품 전체에 깊이를 주고 두 인물을 하나로 묶는다. 움푹 들어간 부분에서는 더 어둡게 보이고, 아코디언의 가장자리와 머리, 몸의 일부 선에서는 금속의 구리빛이 다시 드러난다. 빛은 작품 안에서 시각적 박자를 만들며 음악적 의미를 강화한다.

주조에 통합된 기단은 두 인물을 하나의 공통된 땅에 연결한다. 연주자와 그들이 점유한 공간 사이에는 분리가 없다. 모두 같은 물질에서 솟아난다. 검은 대리석 받침은 더 규칙적이고 절제된 형태로 조각의 수직성과 집중력을 더욱 강조한다.

안토니오 오테이사는 움직이지 않고 소리도 내지 않는 청동으로 음악을 표현한다. 이 작품의 운동감은 과장된 몸짓이 아니라, 두 인물 사이의 긴장과 펼쳐진 풀무, 분절된 면의 흐름에서 나온다. 작품 전체에는 들리지는 않지만 눈으로 느낄 수 있는 리듬이 응축되어 있다.

트리키티샤는 바스크 문화를 고정된 민속 이미지로 축소하지 않으면서 전통과 현대성을 연결한다. 오테이사는 이 음악 안에서 공동체와 소속의 감각을 발견한다. 세대를 거쳐 전해지고, 사람들이 함께 연주하고 듣고 축하할 때마다 새롭게 살아나는 문화적 실천이다.

결국 이 작품은 자신의 소리 안에서 스스로를 알아보는 공동체에 대해 말한다. 오테이사는 그 음악적 기억을 단단하고 지속적인 존재로 바꾸며, 청동 안에 함께 나눈 선율의 메아리가 남아 있는 듯한 감각을 만들어낸다.